140자 제한이 답답해

Shine me, Antares!

palami — Sat, 2 Aug 2025 04:11:44 +0900

정말 오랜만에 이 곳에서 키보드를 두드리게 되었다.

직장을 다니면서 스트레스를 해소할 겸 짬내서 적어가던 곳이라서 그런지 딱히 퇴사후에 끄적일 필요성을 못 느끼기도 했어서 꽤 오래 쉬었는데, 얼마전에 신곡을 릴리즈하게 되어서 한번 그에 대한 얘기를 풀어볼까, 다시 돌아오게 되었다.

이 곡은 작년, 24년 5월 쯤에 처음 만들어지기 시작하였다. BOF에 나갈 곡으로 준비를 하면서 만드는 와중 아무래도 보컬 곡이다보니 섭외를 이리저리 해보던 중 전부 퇴짜를 맞고, 그렇게 BOF 참전은 무산이 되고 결국 대회는 Abel과의 합작 Deneb Arcade로 출전하게 되었다.

그렇게 시간이 흘러 25년 3월에 다시 프로젝트에 박차를 가하기 시작해 FL Studio에서 작업하던걸 전부 갈아엎고 Ableton Live로 옮기고, 굿즈 및 다운로드 카드 제작에 착수하기 시작했다.

그러고 마지막으로 친구들을 섭외해서 릴리즈 파티를 열게 되었는데, 다들 바쁜 와중 시간을 내서 너무 멋진 공연을 완성해줘서 정말로 감사하다는 말 밖에 할 수 없겠다...무사히 끝마치게 되어 너무나 기쁘고, 사람들에게 나름 좋은 반응을 얻어서 정말 다행이라는 생각이 든다.

릴리즈 파티가 끝나고 마지막에 하려고 했는데 너무 정신이 없어서 말하지 못한 사실이 있다. 7월 19일은 사실 이노타쿠/히게드라이버 및 국내 걸출한 음악가들이 공연을 하고, 서울코믹월드까지 겹쳐 공연을 진행하기에 최악이라고 말할 수 있을 정도의 시기였다. 그럼에도 불구하고 이 날짜를 고수한 이유는 바로 7월 하순이 북반구에서 안타레스성의 남중고도가 가장 높은 시기였기 때문이다.

이 설정과 우연을 깨트리고 싶지 않아서 억지로 밀어붙이게 되었는데, 그럼에도 불구하고 많은 분들이 참석해서 어벙벙했던 기억이 있다. 이걸 모두가 알아줬으면 했는데, 역시 처음 주최를 해보는지라 정신이 없었던 게 가장 컸던 거 같다. 경험을 더 쌓아봐야지 싶다(~~또 행사를 열겠다는건가 흠~~).

가사의 화자는 칼라파로써 텅 비고 의미 없는 삶을 보내고 있는 와중, 안타레스와 같은 다셰리가 나에게로 와서 하나의 별이 되었다는 내용을 MV에 담았다.

하지만 안타레스의 진정한 화자는 칼라파가 아니다. 나를 칼라파에게 투영시켜 대신 말하게 한 것이다.

지금까지 만났던 인연들, 특히 같이 작업하고 곡을 빛나게 만들어준 모두에게 하고 싶었던 말이다.

내가 살면서 이렇게 축복받아도 될까 의아할정도로 너무 감사한 소중한 인연들이다.

우연에 우연이 겹쳐 다셰리가 탄생하게 되었다고 했었나. 지금의 인연은 다셰리보다 더욱 더 우연이 겹쳐져서 만들어진 정말 소중한 인연들이 아닌가, 갑자기 찾아와 이제는 내게 너무 과분하다고 생각이 들 정도로 빛이 나는 사람들이다.

항상 일러스트를 맡아주시는 bgm0013, 같이 영상을 작업해준 친구, 이전 망고 파르페 앨범부터 리믹스로써 같이 작업해준 Hexacube와 1.0, DJ의 세계로 처음 끌고 와준 Cyzen, DJ의 더욱 더 깊은 세계를 알게 해준 Aventar와 lazyNEET, 모두가 너무 감사하다.

그 외에 항상 함께 웃어주고 화내주고 슬퍼해주는 우리 우락스레기 친구들이랑 조촐한 파티임에도 불구하고 시간내어 자리를 빛내준 릴리즈파티 관객들, 마지막으로 내게 의미가 정말 깊은 이 노래를 같이 들어주고 즐겨주는 여러분 모두에게 너무나 감사하다는 말 밖에는 못하겠다.

아 뽀뽀하고 어쩌고는 백합물을 좋아하는 제 사심이 들어간 부분입니다. 아무하고 뽀뽀뽀하는 그런 사람으로 오해는 하지 말아주세요.

사실 별과 우주를 컨셉으로 곡을 만드는 걸 좋아했는데, 이전 망고 빙수가 예상보다 훨씬 히트하고 사람들에게 망고 빙수라는 이미지가 강하게 씌워진 감이 있다. 그래서 원래 별과 우주 컨셉으로 돌아가 싶다고 느껴서 그 중간 징검다리와도 같은 역할을 하는게 바로 이 노래이다. 티저 느낌이랄까? 하지만 안타레스와는 또 확연히 다른 컨셉의 악곡들이 준비되어 있으니 이 또한 기다려주시면 감사하겠습니다.

디파님의 아크릴 스탠드와 더불어 작곡 토템역할을 톡톡해 해주는 안타레스 아크릴 스탠드. 울적하고 힘들 때 마다 의외로 도움이 된다.

Illust by bgm0013, Visualized by Doe, Composed by Palami

- Shine me, Antares! -

You shone me, my beloved bright star.

Pulsar 8200

palami — Wed, 13 Nov 2024 07:05:11 +0900

믹싱을 하면서 EQ를 집어 들게 되면 복잡한 화면을 마주하게 되면 '간단하면서 UI는 깔끔하고 기능성도 좋으면서 소리도 이쁘게 나오는 뭐 그런 거 없나?' 하는 도둑놈 심보가 들기 마련이다. 왜 아니겠는가, 이 트랙 정리하고 나면 끝나는 것도 아니고 처리해야 할 트랙이 산더미 같이 쌓여있을 텐데. 그런데 그런 게 실제로 있더라. 그런 의미에서 이번에 Pulsar 8200을 리뷰하게 되었다.

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앞선 사진을 보면 알 수 있듯이 이 플러그인은 아날로그 장비를 복각한 플러그인이다. 업계에서는 이미 수십년 간 표준 EQ로 평가받았던 GML사의 8200 모델을 복각하였는데, 기존 8200은 LR 스테레오 신호를 받아 각 신호별로 5개의 구간으로 제어, 총 10줄의 노브를 통해 사운드를 제어하였다. 하지만 그렇게만 복각했다면 이 친구는 현대에서는 그저 선대 전설의 장비를 따라 했다, 그 이상의 의미를 가지긴 어려웠을 것이다. 이 플러그인은 현대에 발맞추어 엄청난 편의성과 강력한 기능을 추가로 탑재하여 다시 돌아왔다. 기능들을 차근차근 살펴보는 것으로 시작해 보자.

기본적인 조작부이다. 기존의 기능을 설명해 보자면 양쪽의 빨강-노랑-초록-하양-파랑 순의 노브 3줄이 가장 눈에 띈다.

위의 줄부터 해당 음역대의 게인(GAIN), Q(WIDTH), 대역(FREQ)을 설정할 수 있으며 특히 양쪽 맨 끝의 빨강(LF), 파랑(HF) 노브는 Q값을 끝까지 낮출 경우 Peak형태가 아닌 Shelf 형태로 조절 가능한 점이 특징.

그리고 중앙부 상단을 보면 PWR버튼과 LR버튼이 있다. PWR버튼은 짐작했듯이 전체 바이패스 기능이며, LR버튼은 각각의 채널을 바이패스한다. 여기까지가 기존의 8200 모델의 기능이다.

아까 전 소개한 노브들 아래에 크기가 작은 5개의 노브가 보이는가? 각각 기존에 존재하지 않았던 하이패스(HP), 서브(SUB), 틸트(TILT), 에어(AIR), 로우패스(LP) 기능이다. 하이패스와 로우패스는 말 그대로이기에 크게 특별할 게 없지만, 서브-틸트-에어는 눈 여겨볼 만한 노브들이다.

서브노브는 서브를 담당하는 초저음역을 끌어올리고, 에어는 에어리 함을 담당하는 초고음역을 끌어올린다.

지금 특별한 것도 없는데 말장난하는 거냐!라고 생각할 수 있지만 특이한 점이 있다.

바로 서브와 에어가 과도하게 올라갔을 경우, 마치 풀텍 EQ의 ATTEN 같이 부스트 되는 경계선의 반대편이 깎이는 모습을 볼 수 있다. 비록 제어되는 정도는 조절할 수 없을지언정 풀텍 EQ의 맛을 어느 정도 살려주는 역할을 한다. 뮤지컬 EQ의 대명사와도 같은 풀텍 EQ의 기능을 사용해 볼 수 있다는 건 큰 메리트가 있다.

그리고 틸트 노브 또한 재밌는 역할을 하는데, 알 사람들은 알겠지만 전체적으로 주파수 영향을 기울어진 직선 형태로 제어한다는 것이다.

이를 통해 정말 간단하게 개방감을 줄 수도, 묵직한 맛을 살릴 수도 있다. 노브 하나로 전체 주파수 대역을 제어하는 거, 의외로 정말 편하다. 물론 기준점이 되는 주파수를 제어할 수 없다는 점은 살짝 아쉽지만, 전반적으로 사용을 하면서 크게 불만을 가지진 않았다. 많은 인기 플러그인들을 만들어온 PULSAR의 노련함일까, 적절한 위치에 잘 배치했다는 인상이었다.

다음으론 양쪽 채널의 게인을 조절할 수 있는 GAIN노브와 또 다른 강력한 기능, AUTO GAIN 버튼이 있다.

이큐잉 이후에 소리가 좋아졌다고 생각했지만, 사실은 그저 음량이 커졌기 때문에 좋았더라-같은 경우가 있었을 것이다. 오토 게인은 이큐잉 전과 후 볼륨을 동일하게 조절해 준다. 그렇기에 믹싱 하는 데 있어서 판단을 내리는 것이 훨씬 편해졌다. 다이나믹 계열 플러그인에서는 종종 보이지만 EQ에서는 없거나 UI적으로 잘 안 보이는 곳에 위치해 있는 줄도 몰랐다는 경우가 많은데, EQ도 결국 볼륨에 관여하는 플러그인만큼 최종 음량이 굉장히 중요하다 생각하는 나로서는 이렇게 눈에 띄는 곳에 있는 것? 정말 마음에 드는 부분이었다.

그리고 가장 놀랐던 기능, 바로 DE-ESSER이다. 선택한 대역의 튀는 주파수, 즉 레조넌스를 제어하는 기능인데 이는 EQ에 내장은 고사하고 애초에 별개의 플러그인으로 판매가 되는 기능이다. DE-ESSER 글씨 왼쪽의 전원 버튼으로 기능을 사용할지 여부를 결정하고, 왼쪽의 노브로는 적용될 주파수 대역, 오른쪽의 AMOUNT 노브로는 얼마나 강하게 레조넌스를 제어할 것 인지, 중간의 스위치로는 밴드패스/하이패스 대역 중에서 제어될 영역의 선택 방식을 결정할 수 있다.

그리고 특히 AMOUNT 노브 오른쪽 위 삼각형이 있는데, 이는 델타(Delta)라 하여 보통 해당 플러그인이 어떻게 소리를 변화시켰는지 들려주는 기능이다. 이 삼각형을 클릭해 델타모드로 진입하여 DE-ESSER가 제어한 레조넌스를 직접 들어볼 수 있다.

시중에 나와있는 여타 디에서 플러그인들을 Pulsar 8200의 DE-ESSER가 완벽히 대체할 수는 없지만, 그럼에도 불구하고 EQ를 제어하면서 동시에 디에서 기능까지 적용시킬 수 있다는 점에서 매우 좋은 인상을 받았다. 아마 보컬 믹싱을 할 때 너무나 반갑게 느껴지지 않을까, 항상 말하지만 플러그인 한 개 안에서 전부 제어된다는 강점은 절대 무시할 수 없다는 점. 워크플로우의 깔끔함이 절대 다르다.

마지막으로 설명할 기능은 다른 EQ를 쓰다 보면 있을법한 기능이 왜 없을까? 하는 부분일 것이다.

그렇다, 바로 MID/SIDE 모드 제어이다. 기존 하드웨어에선 L/R 채널만 제어 가능했었던 점에 비해 이 MID/SIDE 모드를 켜면 이전까지 L과 R로 구분되던 모든 기능들이 MID와 SIDE로 구분되어서 동작한다.

요즘에는 스테레오의 두 채널을 따로 조절하는 것보단 MID-SIDE 이큐잉을 자주 쓰다 보니 없었으면 굉장히 아쉬웠을 것 같은데, 역시나 이런 소비자의 니즈도 빼놓지 않고 챙기는 디테일이 아주 좋았다.

오른쪽의 MS(LR) LINK 기능은 한쪽 채널의 EQ 노브를 제어했을 때 다른 쪽 채널의 EQ 노브도 같이 제어되도록 하는 기능이다. 위 사진을 잘 보면 SIDE에서만 로우컷과 에어 부스트를 적용한 상태에서, MS LINK를 활성화해 MF 노브로 제어한 만큼을 MID와 SIDE 모두에 적용을 시킬 수 있다. 즉 이 모드를 켠다고 자신이 각 채널에 따로 설정한 EQ 설정이 날아가는 것이 아니고, 원할 때에만 따로 움직이던 양쪽 채널의 노브를 한 번에 제어해 주는 기능이다.

마지막으로 GAIN SCALE을 통해 자신이 조절한 EQ의 강도를 한 번에 조정할 수 있다. 마치 여느 플러그인의 Mix값과 비슷한 느낌으로 사용하면 되는데, EQ는 제어하였을 때 위상이 틀어지므로 Dry신호와 Wet신호를 섞었을 때 소리가 이상하게 틀어지게 되는 경우가 일반적이다. 그래서 일정 수준 이상의 EQ에서는 Mix대신 이 Pulsar 8200처럼 GAIN SCALE을 제공해 주는 경우가 많은데, 역시 이 플러그인도 그 점을 인지하고 넣어놓았다.

다만 로우컷/하이컷의 경우에는 해당 기능으로 조절되지 않으므로 잘 생각해서 써야 하는 점이 있고,

아쉬웠던 점으로는 L/R(MID/SIDE) 채널 각각의 GAIN SCALE을 지정해 줄 수 없다는 점이 있었다.

이쯤 되면 조작부의 기능은 전부 설명한 것 같은데, EQ의 기능 외적으로 아직 더 소개할 부분이 있다.

아까 기능을 설명하면서 눈치챘을지도 모르지만 이 플러그인은 아날로그 한 조작부인 하단 랙만 보는 것도 가능하고, 그래프를 확인 및 제어가능하고 인풋/아웃풋 볼륨을 확인할 수 있는 상단 랙만 보는 것도 가능하다.

아마 나는 거의 모든 상황에서 둘 다 보면서 사용할 것 같은데, 공간의 절약이나 눈이 아닌 귀로만 판단하려는 등의 이유로 한쪽을 비활성화시키고 싶은 사람들도 있을 것이기에 나름 괜찮은 기능인 것 같다는 생각이 든다.

또한 오버샘플링도 지원하며, 또 놀라웠던 것 중 하나가 바로 GAIN/WIDTH/FREQ를 연속적인 값으로 조절하는 게 아닌 기존 아날로그처럼 툭툭 끊기는 느낌으로 제어 가능하도록 변경하는 Stepped Gains/Widths/Freqs 모드도 있다.

복각 플러그인임에도 현대의 니즈를 많이 충족시킨 플러그인임이 분명하지만, 그렇다고 근본은 잃어버리지 않은 느낌이라 굉장히 신선했다. 특히, 이 부분은 기존 디지털 EQ를 사용하던 입장에선 불편할 수 있는 기능이기 때문에 기본적으로 비활성화되어 있고 쓸 사람들만 알아서 활성화시킬 수 있는 옵션으로 제공이 된 점이 또한 매우 마음에 들었다.

이상으로 Pulsar 8200의 기능들을 알아보았다. 휴! 꽤나 긴 여정이었다. 마지막으로 1주일간 직접 사용을 해보고 느낀 점을 얘기하면서 이 플러그인의 리뷰를 마쳐보려고 한다.

먼저 이게 복각 플러그인?이라고 느낄 정도로 기능이 많았다. 오토 게인, 디에서, 미드-사이드 모드, 게인 스케일 등등...

말만 복각이라고 선전해 놓고 기존 아날로그의 불편한 점 마저 고수하여 사용성을 저해하는 플러그인들이 종종 보이는데, Pulsar 8200은 오히려 너무 다양한 기능을 추가하여 근-본을 따지는 유저 입장에선 이게 무슨 GML 8200이야!라고 말할지도 모른다. 하지만 대부분의 사용자의 입장에선 기존의 8200 모델의 기능만 있는 것이 아니라 이런 부가기능들이 여러 개 추가된 점이 오히려 현대의 최신 EQ들보다도 이 EQ를 고를 메리트를 제시해 줬다고 생각이 된다.

그리고 깔끔하고 기능성을 잘 고려한 디자인이 굉장히 맘에 들었다. 아날로그 장비와 같은 디자인을 계승하고, 기존 GML 8200의 노브나 버튼 위치를 고수함과 동시에 조작부의 위치, 크기, 사용 흐름등이 딱히 모난 곳 없이 추가 기능들 까지 잘 버무려 업그레이드되었다는 느낌을 받았다.

정말 정말 아쉬운 점을 굳이 꼽자면 아까 언급을 한 두 가지, 틸트의 주파수 대역을 조절할 수 없다는 점과 게인 스케일을 각 채널별로 조절할 수 없다는 점이 사실은 아쉽긴 하다.

아날로그의 복각에 충실한 플러그인이었다면 있는 것만으로도 감사했겠지만, 아무래도 이 정도까지 기능이 추가되었다면 정말 조금만 더 디테일했다면 어땠을까 하는 아쉬움이 있기는 하다.

전체적인 총평으로는 미세하게 깎아내고 조절하는 서지컬 EQ의 느낌보단 듣기 좋은 소리를 만들어내는 뮤지컬 EQ의 느낌을 많이 받았다. 아주 치밀하게 모든 부분을 제어할 수는 없지만, 예쁜 소리를 만들어내는 데 이만한 플러그인이 존재할까? 싶은 느낌을 아주 많이 받았다.

기존에 사용하던 FabFilter Pro-Q 3나 bx digital V3와는 확연히 다른 성격의 EQ임을 알 수 있었다. 제시한 두 EQ는 굉장히 차갑고 정교하게 자르고 깎아내는 메스와 같다면 Pulsar 8200은 아름다운 예술품을 만드는 조각칼과 같다고 할까? 어쨌든 두 가지 모두 칼이지만, 용도와 성격이 다르다. EQ의 또 다른 모습을 엿본 것 같아 귀중한 경험이었고, 앞으로도 정말 자주 사용할 것 같은 느낌의 플러그인이 될 것 같다는 예감이 든다.

또한 원가 149$이 부담스러웠다면 Plugin Boutique에서 60$ 할인하여 89$로 판매하고 있는 지금 구매하기 좋은 타이밍이라고 생각이 된다.

믹싱? 마스터링? 뭐야 그게.

palami — Tue, 5 Nov 2024 16:13:26 +0900

어느 한 프로젝트의 마스터링 체인.

DAW로 미디 작곡을 하는 이라면 들어봤을수도, 아닐수도 있는 믹싱/마스터링.

뭐야, 작곡을 하면 끝 아니었어? 뭘 더 해야하는거야 - 기본적으로는 그렇다. "작곡가"라면 말이지.

하지만 이제 미디 작곡을 개인이 기획부터 릴리즈 하는 입장에서 더더욱 개인의 역량이 중요해졌고, 이는 믹싱/마스터링 지식의 경우에서도 마찬가지이다.

내 얘기로 시작해보자면 믹싱/마스터링, 특히 마스터링은 리듬게임에 데뷔하기 직전에 처음 들어봤다.

첫 공모전에 당선되고 야호! 이제 음원 보내주면 되겠구나~하면서 날아온 이메일을 봤는데 프리 마스터(2mix)/셀프 마스터 음원을 주세요. 엥? 이게 뭐지? 마스터? 투 믹스는 또 뭐고?

그제서야 마스터링이라는 단계가 있다는 걸 알고 유튜브에서 부랴부랴 찾아본 뒤에 겨우겨우 마스터링 해서 냈던 기억이 있다. 당연히 기각(확실한 근거는 없으나 규격에 맞춘다고 믹싱도 제대로 안된 음원을 끌어올리느라 다 깨져있었으니...)되었고, 그 뒤로 여러번 시도해봤으나 이게 도대체 뭐하는건가...싶은 느낌도 들었다.

사실 앞서 얘기한 내 얘기에도 알 수 있듯이, 내 이름을 알리는데에 있어 믹싱과 마스터링같은 후처리가 절대적으로 필요한 건 아니다. 마무리 짓는 퀄리티 이외의 매력적인 포인트로 가능성을 보고 공모전 등에서 당선시켜주는 경우도 있을테니.

하지만, 딱 들었을 때 미완성이지만 그래도 매력적인 음원과 완성형이면서 매력적인 음원. 후자가 더 낫지 않겠는가?

그렇게 수없이 시행착오를 거치고, 첫 납품 이후 2년의 시간이 지나 나 스스로 온전히 작업을 마친 후에 외주처에서 컨펌이 떨어질 실력이 되고나서 아, 이런거구나! 하고 드디어 감이 잡히기 시작해서 한번 작성해보고 싶어졌다.

그래서 결국 믹싱과 마스터링. 왜 해야할까?

믹싱은 여러 트랙의 밸런스, 다이나믹, 톤 밸런스를 적절히 맞추어 하나의 마스터 트랙으로 만드는 것,

마스터링은 최종 결과물을 사용자의 청취기기에서 듣기 좋도록 마무리하는 것이다.

결국 기존의 음원을 "더 듣기 좋게 만드는 것"이 목적인 과정이라는 것이다.

그렇기에 가장 선행되어야 할 것은 자신의 청취 환경이다.

엥? 님 요즘 리뷰글 쓰던데 이제 하드웨어까지 팔아먹으려고 이런 말 쓰는 거 아님? 라고 할 지 모르겠는데...

좋은 청취 환경 만큼 중요한 건 없다. 아무리 프로 엔지니어라 할 지라도 이미 다이소 이어폰 같은 걸 거치면서 어그러진 음원을 듣는다면 이게 음원의 잘못인지 청취기기의 잘못인지 판단할 수 없을 것이다. 좋은 청취 환경이란, 믹싱/마스터링에서의 변수를 줄여주는, 오히려 믹마 실력이 모자를수록 더욱 중요한 기본 아이템인것이다. 온갖 프리마스터 음원 다 들은 슈퍼 마스터링 엔지니어라면 조금 구린 헤드폰으로도 충분히 멋진 결과물을 뽑아낼 테지만, 우리는 아니지 않은가. 할 수 있는 최선을 다해야 한다. 물론 그렇다고 음향장비에 시작부터 수천을 투자하라는 건 아니고.

필자는 오인페 없이 DAC 하나랑 하이파이맨 순다라를 사용중이다. 프로 바닥이 아닌 동인 음악판에서 이정도면 셀프로 작업하기에는 모자람이 없다고 느낀다. 심지어 나보다 훨씬 실력이 뛰어나신 분들은 더 하위 헤드폰으로도 너무나 멋진 작업물을 뽑아내신다. 내가 말하는 최소한의 청취 환경은 다이소 이어폰, 톤 밸런스가 어그러진 음감용 헤드폰이 아닌 어느정도 응답이 평탄한 작업용 헤드폰을 말하는 바이다. 해상도가 좋다면 Better.

다음에는 편곡이 끝난 트랙의 퀄리티가 보장되어야 한다.

당연한 얘기지만 이미 작/편곡 단계에서 구린 곡을 믹스/마스터 한다고 달라지는가?

작곡>편곡>믹싱>마스터링이라는 단계가 나뉘어져 있는 건 해당 단계에서만 가능한 부분들이 있기에 나뉘어져 있는것이다. 멜로디가 구리면 편곡을 기깔나게 해도 안되고, 트랙의 구성요소에 허점이 많으면 믹싱을 미친듯이 해도 곡이 허술하단 인상을 지울 수 없으며, 믹싱에서 떡져버리면 마스터링의 잠재력은 기하급수적으로 낮아진다.

그러니까 내 곡이 구린 거 같으면 무엇이 문제인지 다시 한번 잘 살펴보자. 작/편곡이 모자른 상황에서 괜히 믹마에 책임을 돌리는 건 아닌가? 물론 요즘 편곡을 잘하는 사람들이 워낙 많긴 하지만, 정확한 문제점을 파악하는 능력은 믹마에서도 굉장히 중요한 부분이기에 잘 판단해야 한다. 믹스 기껏 열심히 해놓고 뒤늦게 문제 원인을 파악해서 편곡으로 돌아가고, 요소가 추가되어서 관련된 부분의 믹싱이 말짱 도루묵이 되는 꼴을 보고 싶지 않다면 말이다!

그러고 나서 중요한 것은 자신의 판단근거이다.

이건 또 뭔 뚱딴지 같은 소리냐...바로 플러그인을 걸 때 그 이유를 말할 수 있어야 한다는 것이다.

컴프레서를 걸었다면 "이 부분에선 이 트랙이 작게 들려서 밸런스 맞추려고 올렸더니 다른 구간에서 너무 크게 들려요"

EQ를 걸었다면 "이 대역은 다른 트랙때문에 어차피 묻히는데 걷어내려고요/묻혀서 좀 더 부각시켜주고 싶어서요"

이러한 판단 근거를 제대로 댈 수 있으려면 자신이 원하는 곡은 어떤 모양인가, 더 나아가 어디를 덧대고 어디를 깎아야 맞는 모양인가를 그려낼 수 있어야 한다. 그러려면 먼저 자신이 퍼질러놓은 트랙이 얼마나 개판인지 재단하는 것 부터 시작해야겠지. 쭉 돌려 듣다보면 아 이 부분 왜 이렇지...아쉬운데 하는 부분을 명확하게 캐치할 수 있어야 한다.

하지만 나도 아직 실력자라곤 말 못하지만 완전 초보자 입장, 그러니까 믹마를 안 지 얼마 안된 사람들 같은 경우에는 어? 문제가 있나? 싶을 것이다. 착각하면 안된다. 자신이 만든 곡이 한번에 완벽할거란 환상을 깨야한다. 돌려듣고 돌려듣다보면 어? 싶은 부분이 있을 것이다.

근데 그래도 그래도 전 잘 모르겠는데용? 하는 경우가 많을 것이다. 그런 경우에는 좋은 곡을 많이 들어보는 것이 도움이 될 것이다. 이미 좋은 곡들은 작/편곡,믹마가 다 완벽에 가까운 상태일것이다. 그렇다면 그것들과 내 노래를 비교해가며 무엇이 부족한지 판단할 수 있을 것이다. 흔히 말하는 "듣는 귀를 키운다"는 이 과정을 말한다. 물론 상업적으로 릴리즈 된 노래중에서도 결국 릴리즈 한 작곡가도 사람인지라 모든 과정이 완벽할 순 없을 것이다. 그런 곡에서 들리는 허점을 찾아내면서 어? 이거 잘못된 거 같은데? 아쉬운데? 캐치를 하는것도 듣는 귀를 키우는 좋은 영양분이 된다.

마지막으로 이 모든 조건이 충족되고나면 필요한 것은 집요함, 끈기라고 생각한다.

아...이 부분은 좀 아쉬운데, 몰?루 그냥 일단 내버리자! ← 실력 안 늘기 딱 좋은 마인드이다.

물론 완전 생 초보자라면 당연히 한번에 완벽할 수 없으니, 꾸준히 완곡을 해내어 작업을 마무리하는 버릇을 들여놓는것이 좋다는 것에는 동의를 한다. 그렇게 부족한 점을 안고 만든 곡을 반성하면서 점점 퀄리티를 높여나가고 실력을 늘이는게 맞지. 그렇지만 곡을 마무리 짓는데 익숙해진 단계에 왔다면 한 곡에 있어서 퀄리티 업을 우선시 해야하지, 귀찮다라는 이유만으로 곡을 마감 지어버리면 안된다는 것이다. 애초에 어떻게 할 지 몰라서 안하는 건 죄가 아니지만, 문제점을 발견하고도 유기하는 건 창작물에 대한 애정이 없는 것 아닌가...적어도 마감에 쫓기는 상황이 아니라면 자기가 만드는 결과물에 책임을 지고 최고의 결과물을 내놓는 게 창작자의 기본 소양이라고 생각한다.

작곡은 언제나 집요하게. 끝까지 매달려봐야 더 좋은 창작물과 만날 가능성이 생긴다고 나는 믿고, 경험해왔다.

결국 나도 완벽하게 아는 건 아니지만 직접 해보다보니 믹마는 달리 이론으로 습득하는 것 보다 경험으로 체득하는 편이 더 낫다고 생각한다. 어느정도 깎고 어느정도 덧대야 더 좋아지는지는 결국 자신이 널브러놓은 트랙에 따라서 결정되는건데, 이걸 교과서처럼 딱딱 몇dB에 맞추고요, 이 악기는 몇 Hz를 강조하고요~는 어불성설아닌가? 생각이 든다.

그렇기에 문제 상황이 어떤지 분석해서, 이를 해결하는 플러그인은 무엇인가를 자신이 또 습득해야 한다고 생각한다.

EQ는 어떤 플러그인이고요~컴프레서는 어떤 플러그인이고요~이런 지식들이 처음에는 어따 써먹지? 싶을 것이다.

하지만 반복적으로 학습해서 아 이 트랙 이 부분 이렇게 쪼물딱 거릴 수 있으면 좋을텐데...아 그러고보니!!!

이런식의 경험에 의한 체득을 하면 그것이야말로 최고의 학습법이라고 생각한다.

별개의 얘기로 믹싱에 있어서 가장 큰 진입장벽은 역시 컴프레서가 아닐까...생각한다.

아무것도 모른 채로 걸어보면 뭐가 달라지긴 하는건가? 싶기도 하고.

그래서 나는 이런 다이나믹 플러그인들은 효과가 가장 큰 것들부터 차근차근 써보면 그 용도를 알아가기에 더 좋다고 생각이 든다. 다이나믹 계열은 다이나믹 레인지에 영향을 주고, 가장 흔히 사용하는 컴프레서의 용도를 생각해보면 정해놓은 볼륨 이상을 정해놓은 비율로 줄인다 - 가 굉장히 러프한 정의가 될 것이다. 그럼 가장 효과가 큰 게 뭘까?

바로 클리퍼이다.

엥? 얜 디스토션 계열 아닌가요? 사실 디스토션도 다이나믹의 일종이다. 용도와 효과의 차이일 뿐.

아무튼 클리퍼는 무엇인가? 정해놓은 볼륨 이상을 무한:1의 비율로 아예 파형을 깎아버리는 놈이다. 그러면 내가 원하는 볼륨 이상으로 트랙이 튀지도 않고 아~주 깔끔하게 다이나믹이 정리되었지 않은가? 실제로 나도 트랙에 종종 클리퍼를 걸어서 정리하기도 한다. 하지만 이게 만능이라면 다른 다이나믹 계열 플러그인들이 있지도 않았다.

클리퍼는 음의 왜곡을 일으킨다(으악!). 내가 원하는 음색이랑 아주아주 많이 달라질 수 있다는 뜻이다.

그러면 어떡해요? 다른 대안이 있다.

바로 리미터이다. 이 친구는 파형을 깎는게 아니라 파형의 진폭을 줄여 정해놓은 볼륨 이상을 무한:1의 비율로 깔끔하게 정리한다. 와~클리퍼의 상위호환 아닌가요? 좋네요? 근데 님 말 듣고 써보니 너무 눌려서 소리가...어색해요...

바로 그럴 때 "정해놓은 볼륨 이상을 정해놓은 비율로 줄이는" 컴프레서를 사용하는 것이다. 거기서 더 나아가면 어택, 릴리즈, 니, 컴프레서가 발생시키는 배음 등을 고려하여 적절한 컴프레서를 또 선택하겠지만, 일단은 컴프레서의 용도는 여기에서 시작한다. 나는 실제로 이러한 일련의 과정을 거쳐서 트랙별로 다이나믹을 제어할 때 컴프레서를 꺼내기 시작하게 되었다.

사용법이 간단하고 효과가 확실한 플러그인류는 대부분 그 한계점이 명확하다. 그렇기에 설정할 것이 적고 효과가 확실한 클리퍼부터 시작해 한계를 체감하고, 더 적절한 효과를 위해 설정할 것이 많고 효과가 미묘한 컴프레서까지 단계를 차차 올리면 내가 원하는 소리를 만들 때 까지 좋은 사다리가 되어 줄 것이라고 생각한다.

마스터링은? 생각보다 별 것 없었다. 나 같은 경우엔 클리퍼로 너무 튀는 거 잡고, EQ로 아쉬운 부분들 살짝씩만 건드려 준 다음, 컴프레서로 구간 별 다이나믹을 1차로 잡아주고, 리미터를 1개~2개정도 사용해 음압을 끌어올려주었다.

결국 믹싱 단계에서 교통정리를 빡세게 하면 그 뒤에 마스터링에서는 크게 할 게 없다고 생각이 되었다.

옛날 2mix 트랙을 마스터링 할 땐 살려야 한다는 마인드로 빡세게 작업해도 -7LUFS를 넘기면 와장창 깨지고 난리가 났는데, 요즘 2mix 트랙을 작업할 땐 앞선 과정들 살짝 걸쳐주고 리미터로 딸깍 해주면 -4LUFS도 쉽게 뽑히는 걸 보는데 그런 생각이 안 들수가 없지...

아무튼, 이상이 내가 생각한 믹싱/마스터링이었다.

결국 더 좋은 음악을 들려주고 싶다는 생각을 가지고 작업과 공부를 하다보면 체득이 되는 부분이라고 생각한다. 특히나 요즘엔 믹마 퀄리티보단 독창성이 중요하기도 하고, 혼자서만 작업을 하는게 아닌 믹마 엔지니어와 협업하는것도 한가지 방법이라는 생각이 든다. 정 내가 하고싶으면 엔지니어한테 기프티콘 쥐어주면서 가르쳐 달라고 매달리면 되는 부분이고.

방법은 많다. 어떻게 갈 것인지는 여러분이 정하는 것이다. 위의 글은 단순히 작업을 하면서 느낀 점을 주절주절 적어봤을 뿐이다. 여러분도 여러분들만의 길을 찾았으면 좋겠다.

Transit 2

palami — Mon, 4 Nov 2024 15:25:22 +0900

창의적인 음악은 어떻게 만들어지는가,

독창적인 주제, 멜로디, 가사가 될 수도 있지만 가장 청취자들에게 먼저 다가오는 부분은 바로 "창의적인 사운드"일 것이다. 해석이나 별도의 지식이 없더라도 바로 듣고 신기하다고 느낄 수 있는 만큼, 가장 직접적으로 신기하다!라고 느낄 수 있는 요소일 것이라 장담할 수 있다. 그런 독창적인 사운드를 원 터치로 만들 수 있는 플러그인, Transit 2를 이번 시간에 리뷰해 보고자 한다.

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해당 플러그인의 초기 화면이다. 아마 플러그인을 많이 다뤄봤던 사람이라면 한눈에 어떤 기능일지 감이 올 것이라 생각이 들 만큼 친숙한 형태이다.

대략적으로 설명을 하자면 가운데의 8개의 모듈이 존재한다. 첫 번째 모듈은 나머지 7개의 모듈을 제어하는 믹스 모듈이고, 2~8번째 모듈은 실제 효과를 담당하는 이펙터 모듈이다. 노브에 연결되어 있는 모듈 중앙의 점을 통해 믹스 모듈을 통해 제어가 되는 동적 모드와 고정된 값을 유지하는 정적 모드를 택할 수 있고, 동적 모드로 설정했다면 값의 시작점과 종료점을 드래그해 조절이 가능하며, 노브 중앙의 그래프를 통해 얼마나 가파르게/완만하게 움직일지 결정할 수 있다. 아마 세럼을 사용했던 사용자라면 굉장히 익숙한 사용법이라 생각한다.

제어하는 모듈의 움직임, 제어되는 노브의 시작점과 종료점, 슬로프의 가파른 정도를 조절해서 이펙터들을 한 번에 제어하도록 설계하는 게 이 플러그인의 알파이자 오메가라고 할 수 있다.

믹스 모듈은 아래의 총 6종이다.

Macro - 직접 믹스 모듈의 값을 제어함. 오토메이션 등으로 주로 조절.
LFO - DAW의 BPM을 통해 몇 비트인지 설정하여 자동으로 믹스 모듈의 값을 제어함.
Follower - 이펙터의 인풋 신호의 크기에 따라 믹스 모듈의 값을 제어함.
Sidechain - 외부 사이드체인 트랙의 인풋 신호의 크기에 따라 믹스 모듈의 값을 제어함.
Gate - 클릭한 때부터 버튼의 길이동안 믹스 모듈의 값을 제어한다.
Sequencer - 클릭한 때부터 클릭하는 동안 버튼의 길이동안 믹스 모듈의 값을 제어한다.

이펙터 모듈은 전작인 Transit의 18개에서 새로 추가된 10개를 포함해 아래 나열된 28종 중에서 설정할 수 있다.

Loop (new)
Reverser (new)
Warp (new)
Retroverb (new)
ModFilter (new)
Compressor (new)
Pitch+ (new)
Speaker (new)
Analog chorus (new)
EQ(new)
Auto pan
Bitcrusher
Digital Chorus
Delay
Distortion
Filter 12
Filter 24
Flanger
Noise
OSC
OTT
Phaser
Pitch Shift
Pump
Reverb
Spread
Tremolo
Utility

이펙터의 이름은 직관적이고 플러그인의 하위 모듈인 만큼 조작이 간단하기에 큰 어려움 없이 어떤 효과인 지 이해할 수 있다. 하지만 6종류의 믹스 모듈, 28종*7개의 이펙터 모듈, 그리고 노브의 제어 시작점과 종료점을 따지면 경우의 수는 아득할 정도로 많아진다. 자유도가 높은 것도 정도껏이지, 이건 너무 방대하다.

그런 우리들을 위해 Transit 2는 2가지의 해결책을 제시했다. 바로 프리셋과 랜더마이즈 기능이다.

좌측은 프리셋 팩 목록, 우측은 해당 팩 내의 프리셋 목록이다.

프리셋만 해도 기본적으로 400여 종이지만, 충분히 분류가 되어있기 때문에 선택하는 데 있어 판단 기준이 되어준다. 기본적으로 Transition, Motion, Multi-FX, Glitch, V1 Preset 5종의 프리셋 팩이 있고, 프리셋 팩을 다운로드하여 추가할 수도 있다. 특히, 기본 프리셋은 저명한 아티스트 Andrew Huang이 제작하여 퀄리티가 보장된다는 점도 장점이다.

기존의 프리셋을 기반으로 자신의 입맛에 맞게 수정하여 자신만의 프리셋을 만드는 것도 하나의 방법이 되겠다.

우상단의 주사위 모양이 보이는가? 플러그인에 주사위가 있다면 십중팔구 굴려볼 수 있다는 뜻이다.

다음으로, 창의적인 사운드를 만드는 주된 방법 중의 하나인 "우연에 기대기", 랜더마이즈 기능이 있다.

7개의 이펙터 모듈에 대해서 이펙터의 종류, 각 노브의 동적/정적 모드, 시작점과 종료점을 랜덤으로 지정해 준다. 하지만 마냥 모든 것이 랜덤이라면 좋은 소리가 나오기 힘들 것이다. 그런 점을 BABY AUDIO.도 인지하고 있는지 랜덤으로 결정할 부분과 고정시킬 부분을 정할 수 있다.

랜더마이즈 시 빨간색 자물쇠가 랜덤에 영향받지 않는 부분, 초록색 자물쇠가 랜덤하게 결정되는 부분.

마음에 드는 부분은 고정시켜서 그 이외의 부분을 무작위에 기대어 이때까지의 기억에 의존하여 고정관념에 갇힌 소리에서 벗어나 전혀 새로운 소리를 탐구해 볼 수 있다. 그렇게 마음게 드는 소리와 유사한 소리가 나온다면 조금의 수정을 거쳐 다시 자신의 프리셋을 만드는 것도 가능할 것이다.

이렇게 Transit 2의 대략적인 기능들을 살펴보았다.

플러그인을 제공받고 며칠간 사용을 해본 뒤 느낀 점 몇 가지를 적어보려 한다.

먼저, 방대한 자유도와 좋은 시작점이 되어주는 수준 높은 프리셋이 가장 큰 장점이라 생각된다. 프리셋은 그 자체로 사용해도 무방할 정도였고, 조금 마음에 들지 않는 부분은 즉각적으로 수정하기 쉬웠다.

그리고 직관적인 믹스 모듈의 조작으로 아주 쉽게 효과를 줄 수 있다는 점도 큰 장점이었다.

자신이 Transit 2를 사용하지 않고 직접 DAW 안에서 이펙터 체인을 만들어서 각 이펙터의 노브들에 오토메이션을 주려면 여러 개의 그래프를 그려서 각각 제어를 해야 한다는 점이 관리하기도 힘들고, 무엇보다도 귀찮다! 하지만 Transit 2를 통해 복잡한 효과라도 큰 노브 한 개로 제어를 할 수 있다는 점은 정말로 매력적이다.

또한, 각 노브의 디자인이 간결하고 시인성이 좋을 뿐만 아니라 기능성까지 좋다.

정적 모드라면 노란색, 동적 모드라면 파란색/빨간색으로 표현된다.

파란색은 뭐고 빨간색은 뭐지? 하지만 설명서를 따라 직접 만져본다면 이해가 될 것이다.

동적 모드의 파란색과 빨간색의 차이점은 시작점과 종료점의 위치 관계이다.

시작점이 종료점보다 이전에 있어 믹스 노브 값이 증가할 때 노브의 값이 같이 증가한다면 파란색,

시작점이 종료점보다 이후에 있어 믹스 노브 값이 증가할 때 노브의 값이 반대로 감소한다면 빨간색이다.

시작점은 삼각형, 종료점은 선이지만 그것만 있었다면 정방향인지 역방향인지 구분하기 불편했을 것 같은데, 색으로 구분할 수 있도록 한 점에서 섬세함을 엿볼 수 있다.

그리고 하단의 Transit 2의 이펙트가 걸리는 비율을 조정하는 Mix값과 Transit 2를 거치고 나오는 아웃풋 게인을 결정하는 Out값도 믹스 모듈을 통해 제어가 가능한 점에서 정말 자유도가 높은 플러그인이구나~생각을 하게 만들었다.

어두운 환경에서 작업하는 사람들에게는 가뭄의 단비인 다크 테마.

또한 다크 테마도 지원한다는 점도 소소한 장점이라고 할 수 있을 것 같다.

중요한 점은 아니지만, 그래도 없는 것보단 낫지 않은가. 그리고 요새는 다크 테마를 선호하는 사람도 종종 보이는 것 같은데, 많은 사람들의 마음에 들 만한 점이지 않을까 싶다. 예술가들은 보통 야행성 아닌가, 음음.

하지만 마냥 장점만 있던 건 아니었다.

상단의 BABY AUDIO.와 x ANDREW HUANG 글씨가 보이는가? 못 봤다면 상단의 사진들 중에서 직접 찾아보자. 못 찾아도 이상하진 않다. 찾더라도 별 위화감이 없는데? 뭐가 문제냐고 한다면...

저게 바이패스 버튼이다...처음 보면 과연 알 수 있을까? 굳이 마우스를 올려보지도 않는 사람이 많을 것 같다고 감히 예상한다. 디자인에 치우쳐 기능에 등한시된다? 과연 무엇이 더 중요한지 망각한 게 아닌가 싶다. 전반적으로 깔끔한 디자인 중 옥에 티라고 할 만하다.

그리고 공간의 비효율성을 감안하더라도 병렬 프로세싱을 가능케 만드는 모듈도 있었다면 좋지 않았을까 생각했다.

7개나 되는 플러그인을 직렬로 연결할 일이 있을까. 실제로 프리셋을 보더라도 모듈 몇 개가 비어있는 채로 완성형인 프리셋들도 있었다. 굳이 7개를 전부 연결시키지 않고 중간에 신호를 분배, 각각 다른 프로세스 과정을 거치도록 할 수 있었었다면 지금보다 더 강력한 플러그인이 되지 않았을까 하는 아쉬움이 남았다.

이상이 Transit 2를 사용하면서 느낀 장단점이었다.

총평을 내리자면, 위의 단점을 고려하더라도 충분히 만족스러운 플러그인이었다. 아이디어는 특별하지 않더라도 사용성을 극한으로 끌어올리고 깔끔한 디자인으로 마감시킨 수작이 아닌가 생각이 든다.

복잡한 이펙터 체인을 간소화시켜 제어하는 기능은 이미 각 DAW에 존재한다. Ableton Live의 Audio Effect Rack, FL Studio의 Patcher 등. 심지어 이런 기능을 가능하게 하는 다른 플러그인들도 있다.

하지만 이전 리뷰에서도 말했듯 여러 개의 플러그인을 사용해야 가능한 것과, 단 하나의 플러그인 안에서 모든 처리가 가능하다는 것 사이에는 넘보기 힘든 큰 간극이 존재한다.

특히 방대한 자유도를 보장해 주고 그 안에서 뚜렷한 가이드를 제시해 주는 디테일 또한 추천할만한 점이다.

물론 가~끔 참신한 플러그인들도 나오고 있긴 하지만, 아주 새로운 기능을 내기엔 너무 시장이 커져버린 지금. 이미 있는 기능을 집대성해 생산성과 효율성을 극대화시켜 주는 이런 플러그인도 충분히 매력적으로 보인다.

창의적인 이펙팅도 트랜지션도 간단하게 가능케 만들어주는 Transit 2, 편곡 시간이 곧 생산성인 우리들에게 필요한 플러그인이 아닐까. 현재 원가 129$에서 79$로 세일 중이니 관심이 있다면 한번 구매해 보는 것을 추천한다.

Weiss MM-1 Mastering Maximizer

palami — Fri, 1 Nov 2024 07:36:01 +0900

예전에 마스터링의 존재를 처음 알게 되고 리미터를 구매해야겠다고 다짐했을 때 가장 눈에 띄었던 플러그인. 깔끔한 테마와 아날로그 감성의 조작부가 너무 내 취향이었는데, 심지어 사람들이 입이 마르도록 칭찬을 하더라. 그래서 계속 써봐야지, 써봐야지 하다가 계속 세일을 놓쳤는데, 마침 기회가 좋게 Plugin Boutique에서 지원을 해줬다. 마침 블랙프라이데이가 코앞이니 시기도 딱이겠다, 바로 써보기로 하였다.

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Weiss MM-1 Mastering Maximizer 구매하기

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&lt;Weiss MM-1 Mastering Maximizer의 초기 화면&gt;

Weiss MM-1 Mastering Maximizer(이하 MM-1) 을 실행시켰을 때의 모습이다.
상단부의 미터기와 중앙부의 노브 3개, 하단부의 바이패스 버튼, 스타일 버튼 5개가 눈에 띈다.
그런데 조금 이상하다? 리미터라면 응당 보여야할 어택과 릴리즈가 없다.
사실 이 플러그인은 분류는 리미터이지만, 일반적인 리미터와는 조작 방식에 조금 차이가 있다.

먼저, 스타일을 고른다.

transparent - 5가지 모드 중 가장 프로세싱 효과가 적다.
주의할 점은 transparent모드라도 완벽하게 투명한 것이 아님을 유의해야 한다.
톤을 체크해 보았을 때 배음이 생기는 것을 확인할 수 있다.

왼쪽이 bypass on, 오른쪽이 bypass off 기음의 주변과 1~5kHz를 보면 배음이 생기는 것을 알 수 있다. (7kHz 대역부터 존재하는 노이즈는 신스 자체의 노이즈이다.)

loud - 기존 타 리미터와 같이 음압을 끌어올리는데 중점이 맞춰져 있는 스타일.
후술 할 특징을 살펴보면 알겠지만 내 생각에는 그렇게 많이 쓰지는 않을 것 같은 스타일이다.
저음이 조금 빠지는 특성이 있는데 아마 등청감곡선에 따르면 저역대는 다른 음역대와 같은 음압이어도 작게 들리기 때문에 오히려 살짝 깎아냄으로써 헤드룸을 확보하도록 이렇게 설계한 듯싶다. 직접 써봤을 땐 크게 체감되진 않지만 해당 모드로 작업한 음원을 여러 청취환경에서 들어봐야 판단할 수 있을 것 같다.

punch - loud와 특징은 비슷하지만 곡의 트랜지언트가 더 살아난다.
킥 같은 곳에서 해당 punch 스타일의 특색이 가장 크게 묻어 나온다. 아마 다른 모드에 비해 어택값이 큰 게 아닐까 예상한다.

wide - 소리의 스테레오가 강조되어 더욱 공간감이 느껴진다.
설명서에 따르면 미드-사이드 프로세싱을 사용한다고 하는데,
미드 부분의 쓰레숄드나 어택, 릴리즈값에 변화를 줘서 더 강하게 리미팅을 하는 원리가 아닐까 생각한다.
음악에 풍성함을 강조하고 싶을 때 쓰면 유용할 것이라 생각이 된다.

deess - 중고역을 살짝 눌러준다.
deess라는 단어에서 알 수 있듯이 불쾌감을 줄 수 있는 치찰음이 있는 대역을 살짝 죽여서
듣기 좋게 만들 때 쓰기 좋을 것 같다고 생각이 된다.

앞선 5가지 스타일 중 자신의 음악에 적절한 스타일을 찾았다면,
amount 노브와 parallel mix 노브를 통해 스타일을 적용시키면 된다.
이 amount노브와 parallel mix노브의 공통점이라고 한다면 5가지 스타일의 특색이 묻어 나오는 정도인데,
그럼 다른 게 뭐냐고 할 수 있다. 이 두 노브는 미묘하게 달라 헷갈릴 수 있는데,
amount는 노브양에 따라 질감이 변하고, parallel mix는 해당 질감은 마음에 드나 너무 강하게 묻어 나올 때 원본 소스와 소리를 섞는 비율을 조절해 질감은 유지하되 그 강도를 줄이는 역할이다.

amount가 80일 때의 소리가 마음에 드는데 너무 과해! 그렇다고 amount를 줄이면 그 맛이 안 살아!
그럴 때 parallel mix 노브를 사용해 질감은 유지하고 그 강도만 줄여 사용할 수 있는 것이다.

마지막으로 대망의 limiter gain, 여타 다른 리미터를 써 보았다면 바로 감이 올 것이다.
0dB 이상의 신호를 깎아내는 플러그인인 만큼 음원이 0dB를 안 넘는다면 큰 의미가 없으니, 인풋 신호의 세기를 조정하여 얼마나 강하게 게인 리덕션을 발생시킬 건지 조절하는 노브이다.

조작부가 끝났으니 미터부를 보자.
미터부에는 3개의 미터가 있는데 각각 INPUT, GR, OUTPUT이라 적혀있다. 설명하자면
INPUT은 입력된 신호의 음량,
GR(Gain Reduction)은 해당 플러그인이 누른 음량,
OUTPUT은 플러그인 밖으로 출력되는 음량을 나타낸다.
여기서 주목할 점은 GR이라 생각이 든다. 내가 지금 얼마나 이 음악을 누르고 있냐는 리미팅에서 굉장히 중요하다.
그런 만큼 가장 주목할 GR을 눈에 확 들어오는 빨간색, 다음으로 중요한 OUTPUT을 노란색, 제일 중요하지 않은 INPUT을 눈에 안띄는 회색으로 디자인 한 점은 칭찬할만하다 느꼈다. 소소한 디테일에서 오는 감동이다. 또한 실시간으로 빠르게 동작하는 미터부 덕분에 limiter gain을 조절하는데 참고하기 좋았다.

그리고 인풋 글씨 위의 [>>]버튼을 누르면 최종으로 나갈 음량을 줄여주는 Output Trim을 정할 수 있다.
아쉬운 점은 다른 플러그인들은 슬라이더를 통해 연속적으로 조정할 수 있는 반면, MM-1은 -0.1, -0.3, -1.0(dBFS)의 선택지만을 준다. 복각인 건 알겠지만 이런 부분까지 아날로그 할 필요가 있을까...

그리고 우측 상단의 Softube 로고 옆 표시한 버튼은 좌측부터 각각
input, control, output 패널 토글 버튼이다. 이는 모든 Softube 플러그인에 공통으로 들어가 있는 기능이다. 3개의 패널은 각각 켜고 끌 수 있으며 더 자세한 정보를 보고 싶을 때만 켤 수 있다는 점이 가산점이지만, 처음 보는 입장에선 아예 모르고 지나갈 수 있을 것 같아 기능에 대한 설명이 좀 더 자세했으면 좋겠다는 생각이 든다. Softube 입장에선 너무 당연한 기능이라고 생각했던 걸까.

이렇게 MM-1의 기능을 모두 살펴보았다. 최근 작업한 음원의 마스터링 프로젝트에서 리미터만 이 MM-1으로 대체하여 사용해 보았는데, 재작업을 하면서 느낀 점을 얘기해 보겠다.

- 장점
1. 뚜렷한 색채감
예전에는 무조건 투명할수록 좋은 게 아닌가?라고 생각했지만, 경우에 따라서는 살짝 음악을 더럽히는 게 훨씬 맛이 좋다는 것을 느꼈다.
배음이 기분 좋게 올라오고, 특히나 다양한 모드를 통해 내가 원하는 색채감을 고를 수 있다는 점에서 해당 플러그인이 색채감을 입히고 싶을 때 매우 좋은 플러그인이라고 느꼈다.

2. 간단한 사용법, 확실한 성능
기본적으로 게인, 어택, 릴리즈만 해도 사람들은 각 노브의 기능을 이해하기 쉽지 않다. 심지어 요즘 나오는 리미터는 기능이 추가되어 더더욱 복잡한 경우도 종종 있다. 그런 리미터 시장에서 모드선택>효과강도조절>게인조절로 작업이 끝난다니. 어택과 릴리즈를 직접 조절 불가능하다는 점은 누군가에겐 단점일 수 있겠지만, 다이나믹 계열 플러그인의 가장 큰 진입장벽이기도 한 만큼 설정할 필요가 없다는 건 누군가에겐 굉장히 큰 메리트이다. 더군다나 직접 사용해 봤을 때 어택과 릴리즈를 조작하지 않았음에도 자연스럽게 게인 리덕션이 되어 이 부분 또한 굉장히 좋았다.
그래서 프리셋이 있지만 굳이 쓸 필요까진 못 느꼈다. 애초에 내가 원하는 느낌을 내기가 쉬우니까.
그래도 있다는 점은 MM-1을 어떻게 시작할 지 감을 못잡는 사용자도 배려해 줬다는 것 아닌가. 이런 친절함 또한 가산점.

3. 깔끔한 디자인
이때까지 여러 플러그인을 써왔지만, 이쁘면서 가독성, 사용자 경험을 중시한 디자인은 그리 많지 않았다.
그런 점에서 MM-1은 디자인 측면에서 감히 최상급이라고 말할 수 있겠다.

하지만 장점만이 존재하는 것은 아니었다.

브릭월 리미터로써 가장 치명적인 단점이 있는데, 바로 트루피크 제어가 불가능하다.
MM-1을 걸고, 평소대로 음압을 끌어올린 후, Output Trim을 통해 음원의 최종 크기를 지정해 주었는데
모니터링 플러그인으로 관측하니 트루피크가 1.4dB...
아하! 내가 트루피크를 안 켰구나! 근데 어디서 켜지? 하고 뒤져보니 그런 거 없다더라...
트루피크라는 개념이 디지털상에 존재하는 개념이고, 아날로그 장비를 복각한 플러그인이다 같은 이유는 댈 수 있다. 하지만 디지털로 복각해 줬으면 디지털 세계에 맞게 기능을 추가해 줄 수 있지 않나?라는 아쉬움이 남는 건 사실이다.

그래서 총평을 남겨보자면 "극강의 아날로그함"이다.
뚜렷한 색채감을 무기로 음악을 더 맛있게 만들면서 음압은 적당히 끌어올리는, 그런 리미터인 것이다.
그래서 나는 앞서 말한 재작업을 진행하며 MM-1을 wide모드로 사이드를 강조함과 동시에 게인 리덕션을 적당히만 발생시켜 거기서 오는 배음의 추가만을 노렸다. 이후, 다른 리미터 플러그인을 직렬로 연결시켜 평소에 리미터를 사용하는 방식처럼 음압을 끌어올리는 동시에 MM-1을 지나며 발생한 양수 트루피크를 제어하였다.

그러다 보니 음압을 높이는 용도로는 썩 좋지 않다고 느껴서 아까 5가지 스타일을 설명할 때 loud 모드는 손이 안 갈 것 같다는 얘기를 하였던 것이다.
라우드니스 워에 참가하기에 MM-1은 강하고 확실하게 소리를 눌러주지 못한다.

하지만 직접 써보니 알겠다, 어째서 사람들이 이 리미터를 사랑하는지.
거듭 얘기하지만 이 플러그인의 존재의의라고 봐도 되는 이 색채감.
어쿠스틱 음악을 주로 하는 사람들에게는 엄청 찰떡이라고 봐도 되고, 그게 아닌 전자음악을 하더라도 wide나 transparent의 색채감은 충분히 매력이 있다고 느꼈다.

그래서 이 리미터는 다음과 같은 사람들에게 추천한다.

1) 트루피크 기능이 있는 리미터를 이미 가지고 있는 사람들
2) 음압보다는 음악의 미묘한 뉘앙스를 더 중요시하는 사람들

위 두 가지에 해당한다면 정말이지 강력하게 추천할 만하고,
그게 아니더라도 MM-1은 가지고 있을 만한 리미터라 생각이 든다.
MM-1을 사용하기 전까지는 '투명이 최고'라 생각했던 투명신봉자였던 나도 생각을 바꾸게 만들었으니 말이다.

그래서 앞으로도 사용할 것이냐? 거기에 답할 나의 대답은 "대체로 그렇다"이다.
믹싱 단계에서 깔끔하게 작업을 못했다면 거기에 색채와 배음이 추가되어 봤자 지저분할 뿐이지만,
그래도 나름 믹싱이 잘 되었다면, 색채를 추가해 보는 건 손해 볼 것 없는 시도라 생각한다.
자칫하면 음악이 지저분해 질 수 있지만, 잘만 쓴다면 전혀 느낄 수 없던 숨겨진 맛을 발견할 수 있으니 어찌 안 걸어 볼까. 아마 단독으로는 무리일 수 있지만 앞서 말했듯 트루피크 제어가 가능한 다른 플러그인을 뒤에 걸어놓는다면 안심.

그저 좋다는 말에 깔끔하게 음압을 빵빵하게 올려줄 수 있는 리미터일 것 같다는 첫인상과는 정반대였지만,
예상하진 못했어도 '오히려 좋아'다. 덕분에 나의 음악 세상을 또 한 번 새로이 넓힌 느낌이었다.

그리고 마침 11월 1일, 금요일 오늘부터 세일을 시작하여 단돈 71$에 판매중이다.
블랙 프라이데이는 비단 음악인들 뿐만이 아닌 전 세계 소비자의 대명절인 만큼 평소 199$라는 가격에 고민을 하던 사람들은 이번 기회에 멋진 리미터 하나 장만해보는 건 어떨까.

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멋있는 음악과 듣고 싶은 음악은 다르다

palami — Tue, 29 Oct 2024 21:00:38 +0900

시대가 변하면서 인터넷의 접근성이 좋아지고, 돌아다니는 정보량이 매우 많아졌다.

우리는 특정 사이트의 특정 인물만이 올렸던 강좌 PDF로 겨우 공부하던 시대를 지나

온갖 사람이 올리는 강좌 영상을 보기도 하고, 자유롭게 서로 대화를 나누는 시대를 지내고 있다.

그렇게 모두가 얻을 수 있는 정보의 질과 양이 동시에 올라간 지금,

음악을 멋지게, 때깔이 좋게 만드는 사람들은 너무나 많아졌다.

이전에는 이렇게 때깔 좋게 만드는 사람조차 적었기 때문에 그 자체로 차별점이었지만

그런 강좌영상을 보고 따라서 때깔만 좋게 만들어봤자 청자들에겐 그냥 지나가는 노래 1인 것이다.

여기서 자칫 나는 내 음악이 다른 음악과 비교해서 꿀릴 게 없는데, 왜 내 노래만 관심을 안가지지?

그런 생각이 들 수도 있다. 나도 예전에는 그런 생각을 많이 가졌다.

하지만 조금만 생각해보면 너무나 당연하다.

튜토리얼에 올라오는 영상들은 공짜로 올라오는 게 아니라 조회수를 많이 뽑힐걸 생각한 영상들이고,

그만큼 많은 사람들이 시청해서 따라한 영상인 것이다.

튜토리얼만 가지고 음악을 만들면 비슷한 수 많은 음악들 속의 한 곡일 수 밖에 없는 것이다.

물론 기본적인 퀄리티가 미달이라면 그 누구도 듣지 않을 것이고, 그런 면에서 좋은 튜토리얼로 기본적인 프로듀싱 실력을 올리는 게 결코 나쁘다는 말이 아니다.

다만, 그게 끝이 아니라는 것이다. 곡을 멋지게 만들 수 있다면, 이제는 듣고 싶게 만드는 음악을 만들어야 하는 것이다.

나의 경우에도 곡 자체로는 들을 이유가 부족하다는 생각이 종종 든다.

그럼에도 불구하고 내 음악 중에서 사람들이 많이 들어주는 곡들의 이유는 무엇인가?

바로 리듬게임에 수록되었다는 것이다.

리듬게임에 수록되는 것 자체도 어렵다는 건 알지만, 그럼에도 불구하고 가장 빠른 길이라고 생각이 든다.

일단 리듬게임의 경우 엄청 큰 대기업 규모가 아닌 중소기업 정도의 회사들이 운영하는 게임들도 있다.

그런 게임의 경우 수지타산이 맞아야 하기에, 자신이 실력이 어느정도만 있다면 일단 오리지널 풀을 넓히기 위해 어느정도 싼 값으로 곡을 구매하고 싶어하는 경우도 분명히 있다.

그렇게 리듬게임에 곡이 수록이 된다면 그것만으로도 충분히 노출이 되지만, 노출보다 더 큰 메리트가 생긴다.

곡에 추억이 생기게 된다.

자신이 리듬게이머라면 특정 곡을 플레이 했던 기억들이 있지 않은가?

특히나 패턴 등이 특이했다면 패턴에 덩달아 곡이 기억이 남는 경우도 있을 것이다.

마찬가지로 자신의 곡이 누군가에겐 추억의 일부분이 되어서, 더 나아가서 해당 게임의 게이머 전반에게 추억이 될 수 있다면 그 사실 만으로 많은 사람들이 알고 듣게되는 이유가 될 것이다.

비슷한 노래여도 곡에 관한 기억이 있다는 사실 하나 만으로 들을 이유가 생기는 것이다.

이렇게 리듬게임, 또는 다른 매체에 자신의 음악이 들어가게 된다는 것 만으로도 좋은 효과를 불러일으킬 수 있지만, 본인의 앨범을 생산하게 된다면 또 다른 이야기가 된다.

개인 앨범은 오로지 자신의 능력 만으로 승부를 봐야한다.

이때까지 다른 매체로 쌓아왔던 자신의 네임밸류,

수록곡의 퀄리티, 수록곡의 매력 포인트 등등.

물론 앨범 자체는 앞서 말한 타 매체에 수록된 곡을 포함시킴으로써 알릴 순 있지만,

앨범에는 노래 하나만 수록되는 것이 아니기에 다른 곡들도 충분히 들을만한 이유가 있어야 한다.

이 점에 있어서 들을만한 이유로 가장 많이 꼽히는, 자타공인 최고의 매력포인트는 역시 독창성이겠다.

A라는 작곡가의 곡이 너무 좋아서 A의 음악을 들으며 A의 음악 스타일을 베껴서 만들었다고 하자.

자신이 정말로 잘 따라했다면 그만큼의 퀄리티는 나올 것이다.

하지만 그 이상의 곡을 써낼 수 있을까? 따라하기 급급해서 겨우 만들어봤자 결국 그 사람을 뛰어넘을 순 없다.

그러면 청자들은? A의 음악을 듣지 굳이 자신의 음악을 들을까? 흠......

결국 세상은 냉정하다. 그 누구도 자신의 시간을 남을 위해 헛되이 쓰고 싶어하지 않는다.

사람들은 언제나 최고를 원한다.

그럼 최고에는 무엇이 있을까?

한 분야의 작곡가 백 명, 천 명 중에서 최고가 있을 수 있고, 나 자신만의 음악 한 명 중에 최고가 있을 수 있다.

동료 작곡가들에게 물어보면 전자의 넘버원과 후자의 온리원을 비교했을 때 결국 온리원이 답이라고 입을 모은다.

넘버원은 결국 바운더리를 벗어나게 되면 처음부터 시작이고, 나보다 더 잘하는 누군가가 나오게 된다면 결국 뒤쳐지게 되는 것이다. 애초에 음악에서 넘버원이라는 우열을 가린다는 것 부터 어폐가 있는 것이다.

하지만 온리원이라는 건? 나 자신의 길만을 걷고, 남과 비교를 하지 않고, 오로지 자신이 하고 싶은 음악만을 해도 다른 사람들에게 자신의 음악을 듣고 싶게 만드는 합당한 이유를 차고 넘치게 대줄 수 있는 것이다.

온리 원은 하나의 요소로 특정지을 수 없는 부분이긴 하다.

자신만의 특징적인 사운드, 코드 진행, 구성, 분위기 전부 어우러져서 기존 장르음악에서 점점 멀어졌을 때 비로소 자신의 음악이 탄생한다고 생각한다.

특정 장르를 좋아해서 곡을 만들 수 있고, 오히려 장르의 작법을 따라가는 것이 기존 리스너에게 안정적인 맛을 줄 수 있다는 장점은 있지만, 해당 장르가 자신이 표현하고자 하는 것의 수단이 되어야지, 장르에 매몰된다면 주객 전도라는 말이다.

이렇게 장황하게 글을 쓰기도 했고, 이전에도 똑같은 주제로 글을 썼지만, 한번 더 쓴 이유는 요새 내 음악의 특장점, 내 음악에서만 찾을 수 있는 매력 포인트라는 걸 찾고 있는 중이라 한번 더 써보고 싶었다.

M3가 끝나고 그 다음날, 동료 작곡가분들을 포함한 일행끼리 사이제리아에 가서 여러 얘기를 나누던 중 나온 주제였었다.

모두가 비슷한 고민을 가지고, 고뇌하는 모습을 보면서 나 자신의 진정한 모습을 찾는 일이 결코 쉽지 않다는 것을 느꼈다.

나는 사운드가 신나고 해방감을 주는 동시에 모티브, 멜로디는 가슴을 울리는 음악을 하고 싶었다고 이전에도 말했지만, 결국 그건 시작일 뿐이라고 최근에 느꼈다.

그건 멋진 음악일 뿐, 듣고 싶게 만드는 음악을 만드려면 무엇을 첨가해야 할까? 나만이 선사할 수 있는 매력점은 어떤 것일까?

내가 진정으로 듣고싶어하는 음악을 만들면서 끊임없이 담금질을 반복하면 나아질까.

아주 조금은 자만을 해도 되지 않을까. 타인의 음악을 존중하는 건 당연하지만 존중을 넘어서 이 음악을 뛰어넘을 수 없다, 내 음악을 저 음악 옆에 가져다놓고 싶다는 생각은 위험하다고 생각한다.

나도 이제 내 갈 길을 생각하며 무작정 무한한 존경으로 바라보는 건 멈추고 냉정하게 배울 점만 배우고, 다른 음악을 참고하는 것을 벗어나 내가 표현하고 싶은 것을 내 방식대로 표현하도록 노력해봐야겠다.

이 친구는 누구인가

palami — Wed, 23 Oct 2024 14:10:16 +0900

군대를 마치고 사회에 나와서, 입대 전에 앨범을 만들었던 기억이 났다.

그때는 디지털 릴리즈로만 진행해서 아쉬운 점이 남았는데,

직장으로 복직하기 전 완전 날백수 기간이 한 달 반 정도 있어서 그동안 열심히 준비하고

복직 후에도 차근차근 준비하면 일러스타 페스에 맞춰서 앨범 생산이 가능하겠다 생각이 들었다.

그리고 만든다면 역시 생각보다 많은 사람들이 좋아해 줬던 망고빙수를 릴리즈 해 보고 싶어졌다.

그렇지만, 망고빙수로는 부족할 것 같아 다른 곡을 앞세워서 릴리즈를 결정, 그동안 구상했던 여러 곡들과

멋진 리믹스 2곡을 포함했다.

하지만 문제가 있었다. 바로 앨범아트.

내가 이미지 편집으로 가능한 건 도형을 짜맞추는 것뿐, 그림을 그리기엔 초등학생 수준밖에 안 되기에...

그러다 문득 평소에 정말 좋아하는 그림체를 가진 지인이 생각 나 바로 연락을 드렸고,

감사하게도 흔쾌히 수락을 하셔서 앨범커버 제작에 착수하게 되었다.

당시 구상했던 콘티 이미지

콘티에 기반한 초기 고걸이의 이미지 컨셉

이렇게 내가 구상한 이미지를 일러레분이 그려서 넘어온 캐릭터 프로필 러프.

받고 나서 캬 역시 이 사람한테 맡기길 잘했다!라는 생각이 들었는데~

갑자기 내가 보냈던 망고파르페의 초안을 듣고 생각나는 대로 그리셨다는 캐릭터의 이미지를 주셨다.

이전에 내가 구상했던 초안 이미지와는 다르게 개성 포인트도 상당히 살아있고

노래의 분위기도 팡팡 튀는 느낌이다 보니 성숙하고 조용한 느낌에서 명랑한 느낌으로 바뀐 게 더 어울려서

바로 간곡하게 부탁했다. 이 캐릭터로 해주세요. 제발.

캐릭터 디자인도 역시 짬바가 있구나. 전문가는 다르다.

그렇게 몇 차례의 수정을 거쳐 최종적으로 앨범커버가 나왔다.

아 정말 너무 귀여워서 비명까지 지름.

이름은 딱히 안 정하고 일러레분과 내가 대화할 때는 "고걸이"라는 가칭을 썼는데(망고여캐니까),

아무래도 어디 공식적으로 내놓을 수 있는 프로필을 만들어놓고 싶어서 이것저것 조사를 해본 결과,

"다셰리(Dasheri)"로 결정되었다. 이름의 유래는 망고의 품종.

위키피디아 개별 문서가 있을 정도로 메이저 하면서 어감이 이쁜 품종을 찾아보니 이게 마음에 들었다.

그렇게 고걸이가 디자인되고 몇 달이 지나 일러레분이 만드신 다셰리의 프로필.

Dasheri(다셰리)

22yo, 173cm, ??Kg

실용댄스과(휴학 중)

음주여부: O

흡연여부: X

기본적으로 있던 설정은 말없이 호루라기로 소통,

코코넛한테 미움받는다는 설정은 대화하면서 이러면 웃기겠다ㅋㅋ하면서 추가되었다.

그 외의 스펙은 기본적으로 일러레분이 설정한 것들.

173cm라니, 꽤나 장신인걸 보고 놀랐다. 너무 좋은걸.

그리고 프로필의 다셰리와 앨범 커버 및 초안의 다셰리를 보면 체형에 꽤나 차이가 있는데...

이건 미스테리...어쩌다 보니 그렇게 됨...TMI긴 하지만 저는 살집 있는 편을 좋아해서 오히려 아주 굿이에요

그러면 내가 고안한 디자인을 바탕으로 만들어진 프로토고걸이(ㅋㅋ)는 어디 갔느냐?

이렇게 누님 속성과 골초 속성을 얻고 고걸이 옆에서 카메오로 종종 등장하신다.

언젠가 이 골초누님도 같이 나오는 투샷에 맞는 콘셉트로 앨범을 제작해보고 싶은데, 언젠가 기회는 있겠지.

원래 내가 쓰는 곡들의 세계관이 우주, 별, 밤하늘이 주된 테마였는데

어쩌다 보니 대충 쓴 컨셉곡이 여러분들에게 과분한 사랑을 받게 되어 이렇게 다셰리까지 탄생하게 되었다.

앞으로도 이 캐릭터를 내세워서 작품활동을 이어나가고 싶다는 생각이 든다.

비록 만들어진지 반년정도밖에 안 된 캐릭터이지만,

그동안 너무나 소중한 딸래미 같은 느낌이 생겨서 오래오래 이 디자인을 가져가고 싶다.

여러분들이 망고빙수를 좋아해 주신 덕분이 여기까지 오게 되었습니다. 언제나 감사드립니다.

기회가 된다면 내년 여름에 다시 찾아뵙도록 하겠습니다.

Design & Illust by bgm0013

Dasheri

화성학이 뭐길래.

palami — Mon, 14 Oct 2024 20:25:16 +0900

화성학의 중요성, 전자음악계에서는 꺼내면 바로 갑론을박이 펼쳐지던 시절이 있었다.

요새는 배워놓으면 좋다, 자신이 잘하고 싶으면 배우고 아니면 그만이라는 의견이 대세인 듯하다.

나도 어느 정도 동의한다. 특히 요새 동인음악은 복잡한 화성보단 화려한 사운드 디자인이 주류인 듯하고.

그럼에도 불구하고 나는 입시작곡을 1년간 배웠었고, 그때 얻은 지식이 나에게는 좋은 파워가 되었다고 생각한다.

화성학이 필요한가 아닌가를 따지려면 먼저 화성학은 무엇인가? 를 대답할 수 있어야 한다.

위키에 따르면 화음을 연속시키는 방법에 대한 연구를 화성학이라 지칭하는데,

여느 음악 이론이 그렇듯 기초적으로 "이게 좋은 건 알겠는데 좋은 이유가 뭘까?"에서 시작된 학문이라고 생각한다.

즉, 듣기 좋음에서 그치는 것이 아닌 좋은 이유를 탐구하는 학문인 것이다.

결론적으로 위키의 내용과 내 생각을 이어 붙여보자면 화성학이란

시간에 따라 연속적으로 등장하는 화음 간의 유기성에서 오는 기분 좋음을 분석하는 것이 되겠다.

화음에 대해서 이야기를 나누려면 먼저 화성의 구성음이 될 음정을 이야기해야 되겠다... 만은

왜 12음으로 나누어졌으며 어째서 음마다 2^(1/12)의 진동수를 가지게 되었는지, 메이저 스케일과 마이너 스케일이 정해진 경위까지 얘기하면 너무 길어지므로 생략하고,

일단은 가장 기초적인 C메이저 스케일에서 한번 놀아보도록 하자.

우리는 스케일에서 2칸씩 떨어트려 연속된 3개의 음을 선택해 만든 화음을 3화음, Triads라고 칭한다.

예시를 몇 가지 들자면 도미솔, 레파라, 솔시레 등이 있겠다.

그리고 첫번째, 두번째, 세번째 음을 1음, 3음, 5음이라 칭한다 (두칸씩 떨어졌으니 [1], 2, [3], 4, [5]음이라는 뜻이다) .

1음은 해당 화음의 기준점이 되는 음정이고,

3음은 해당 화음의 장조, 단조를 나타내주고,

5음은 해당 화음의 뉘앙스를 나타내준다.

그렇기에 1음의 중요성은 말할 것도 없고, 3음도 굉장히 중요한 역할을 담당하며, 5음은 앞선 두 음보다는 중요성이 떨어진다. 이 사실을 잘 기억해 두자.

그러면 화음에 대해서 얘기를 마쳤으니 다수의 화음이 연속해서 등장할 때의 경우를 말할 수 있게 되었다.

우리는 모두가 알고 있는 진행이 있다. 바로 솔시레-도미솔 진행이다.

도레미파솔라시도를 쫙 긁어서 이 음악은 C메이저예요~라는 단서를 주고서 솔시레를 치면,

다음에 무언가가, 무언가가 나올 것만 같아...! 하는 긴장감이 들다가

도미솔이 나오는 순간 아~이거지 하는 해소감이 든다. 왜일까?

솔시레의 구성음에는 "시"가 있다. 이 친구는 "도"라는 이 음악 안에서 절대적인 왕좌를 지키고 있는 친구 바로 옆에 매달려 있는 금붕어 똥 같은 음이다. 너무나 중요하여 이전에 등장했던 주변 모든 음들을 끌어당기는 블랙홀과 같다.

그러므로 "시"는 자연스레 "도"로 이동하게 되는 것이다. 이때 우리는 해방감을 느낀다.

하지만 이런 질문이 나올 수 있다.

미솔"시", 솔"시"레, "시"레파 전부 파라"도", 라"도"미, "도"미솔로 갈 수 있는 거 아닌가요?

어째서 솔시레-도미솔이 가장 해방감이 큰 거죠?

여기서 음정 간의 중요성이 나올 수 있다.

미솔"시"의 시는 5음이라 해당 화음 안에서 너무 중요도가 떨어지고,

"시"레파의 시는 1음이라 너무 중요한 위치에 불안한 음이 위치해 에너지가 약하다.

목적지가 되는 라"도"미와 파라"도"는 "도"미솔에 비해 도의 중요도가 떨어진다.

나는 화성학을 배웠을 때 클래식 작곡을 배웠다. 4개의 음정으로 이루어진 화음들을 연속적으로 배치해 좋은 흐름을 만들어 내는 연습을 계속해왔는데, 그때 선생님이 가르쳐주신 바로는

"이전 화성의 구성음이 이동하여 다음 화성의 구성음이 된다"였다.

솔시레-도미솔의 경우에는 시->도의 경향성이 제일 강하고, 솔은 솔로, 레는 미로 가려는 경향이 있다.

뒤의 2개의 경우에는 지키면 좋지만 이걸 지키다간 오히려 표현에 제약이 생기지만,

시->도만큼은 여겨서는 안 될 철칙이었다.

아니 왜 표현의 자유를 제한하세요? 전 시에서 미로 점프할 건데요?

하지만 직접 시도해 보면 시->도 이동이 없을 때 보다 있는 편이 훨씬 듣기 좋다는 걸 알 수 있다.

매우 간단하게 화성학을 훑어 봄으로써 화음이 연속될 때 기분이 좋은 이유를 설명하는 학문이 화성학이라는 건 알았다.

그럼 왜 화성학을 배워야 하나 질문하면 "배우면 좋고~아님 말고~"라는 애매한 답변이 돌아올까?

그건 바로 동인 음악, 더 나아가서는 전자음악의 특수성을 들 수 있겠다.

현재의 전자음악은 시간에 따라 유기적인 흐름이 구성된 화성보다는 사운드 자체의 변화에 초점이 맞춰져 있다.

여러 가지 이펙터의 수치를 시간에 따라 이동시킴으로써 들리는 소리에 변화를 주고, 그런 동적인 소리에서 오는 변화 그 자체(긴장) 및 변화의 반복(이완)에서 오는 쾌감을 더욱 중시한다.

당장 단순한 소리에도 오토메이션을 걸어서 동적인 느낌을 추구하는 게 오늘날의 전자음악이 아니던가.

이미 여기서 긴장감과 해소감을 얻어냄으로써 화성에서의 긴장감과 해소감을 얻을 필요성이 적어진다.

그리고 악기 자체의 크기도 커졌다. 슈퍼쏘우라 불리는 소리가 있는데,

배음이 엄청 풍성한 톱날파를 위 아래로 옥타브를 겹치고

파형을 복사한 후 각 파형의 주파수를 미세하게 틀어서 좌우로도 엄청 벌려놓은,

그야말로 음역대의 고저와 너비를 모두 잡는 완전 돼지 소리가 있다.

그야말로 풍성함의 대명사가 되어 장르를 불문하고 음악에 너비감이 필요하다면 어지간한 전자음악에서는 다 쓴다.

이미 옥타브를 몇 개는 넘나드는 음을 또다시 옥타브를 넘나드는 미디를 찍어서 소리를 내는데,

구성음의 이동? 앞 뒤 관계성? 어느 음정이 어디로 이동한다라는 감각 자체가 무뎌진다.

"도" 음정이 이전 코드의 "시" 음정 근처에 있지 않고 한 옥타브 위나 아래에 있어도, 해소감이 크게 줄어들지 않는다.

실제로 화성학을 배우지 않고도 지금 동인 음악, 더 나아가서는 전자 음악계에서 대가가 된 사람들도 있다.

대표적인 예시로 방배동호랑이님은 악보도 아예 볼 줄 모른다고 하셨다.

그럼에도 불구하고 히트곡 제조기라 불리지 않으셨는가?

사실 좋은 결과물이 나오는 원인을 모른다 하더라도 좋은 결과물은 나올 수 있는 법이다.

그럼 배우면 좋다!라는 이유는 뭘까?

가장 좋다고 생각하는 부분은 내가 아직 들어보지 않은 코드진행도 이론을 통해 구성할 수 있다는 점이 크겠다.

이 음정은 여기로 이동하는 게 정배지만, 저기로도 이동할 수 있겠구나! 하고 평소에 계속 듣던 진행에서 벗어나 생소한 경험을 청취자에게 줄 수 있다는 점이 또 자신만의 무기가 될 수 있다고 생각한다.

더불어 음악의 이야기와 관련되어서 이 부분에서 위기감을 조성하거나 해방감을 줄 때, 불안정하거나 안정적인 진행을 의도할 수 있다는 점이 있다. 그저 감각과 경험에 의존하지 않고 선대가 쌓아놓은 지식을 토대로 더 효과적이고 효율적으로 자신의 의도를 전달할 수 있다.

결국, 화성학을 배워야 하는 이유는 별 것 없다.

자신이 모자라다 느끼면 배우는 것이고, 천부적인 재능이 있어 이론을 몰라도 내가 의도한 바를 표현할 수 있다면 배우지 않아도 된다.

혹자는 말했다. "자신은 거인의 어깨 위에서 보았기에 더 멀리 볼 수 있었다."

선대부터 쌓아온 수 없이 많은 경우의 수를 토대로 더 좋은 결과물을 만들 수 있도록 탐구하는 게 학문의 본질 아닌가.

나는 화성학을 배웠고, 내가 알고 있는 지식들을 토대로 배우지 않았다면 낼 수 없었던 결과물들을 세상에 내놓고 있다.

이따금씩 화성학 대신 사운드 디자인을 배울걸 할 때도 있었지만,

감성적인 분위기를 추구하는 입장에서 사운드가 세련되기보다 코드에서 오는 해방감을 중요시하다 보니 그래도 내 음악의 정체성 중 하나가 되었다는 느낌도 있다

화성학을 배우는 데에 고민이 되는 포인트는 누가 뭐래도 드는 노력과 시간일 것이다. 가성비가 안 나온다는 얘기이다.

당장에 사운드 퀄리티를 올려서 얼핏 들었을 때 꽤 괜찮은데? 싶은 노래를 만드는 쪽이 더 빠르긴 하다.

하지만 감정을 전달하는 수단으로 가장 효과적인 건 화성 진행이라 생각이 든다.

그리고 나는 음악은 하나의 이야기를 전달하는 수단이라고 생각을 한다. 더 이상의 설명이 필요한지?

Rule 1: We don't take ANY responsibility about overdosing magical word "OMG"!

palami — Thu, 10 Oct 2024 10:11:33 +0900

2022년 초, 예전부터 눈길을 끌던 커뮤니티에서 자유 참가 컴필레이션이 열렸다.

컴필레이션 주제는 "매운맛". 평소에 리듬게임을 좋아하는 유저로써 이건 못참지~하면서 참가했다.

매운맛하면 어떤 음악을 지칭하는가? 당신이 생각하는 매운맛은 어떤 것인가?

그에 대한 답으로 다른 참가자들은 티어아웃, 개버, 하드스타일 등의 답을 내놓았는데,

나의 경우에는 한 가지 장르가 생각이 났다, 바로 스피드코어.

2010년대 초~중반에 리듬게임을 했다면 다들 알 만한 곡이 있을 것이다. Big Black.

당시 초등학생이었던 나는 이런 음악이 있구나 하면서 큰 충격을 받았고,

점차 자라오면서 kobaryo, m1dy등의 작곡가의 곡들을 좋아하게 되어 이 곡을 만들었다.

곡의 전체적인 컨셉은 oh my god이라는 샘플링을 등장시킬 때 마다 BPM이 2배씩 뻥튀기 되는 컨셉이었다.

처음 인트로는 적당한 긴장감 정도만 조성하다가 드랍 직전에 OMG을 꽂고,

바로 BPM310의 스피드코어를 때리는, 그런 음악을 만들면 재미있겠다! 싶었다.

그리고 첫번째 드랍에서 재미있었던 것은 스피드코어의 킥을 위쪽 화음으로 쌓고,

그 화음 킥의 음정를 변조시키는 것이었는데, 지금 생각해도 기발한 발상이지 않았나 싶다.

그리고 다시 빌드업으로 분위기를 고조시키고 무언가 알 수 없는 말이 나오는데,

사실 이건 OMG 샘플을 역재생 시키고 음정을 낮춘 것이다.

왜 역재생인가? 생각해보면 당연하다. 다음이 155 싸이트랜스 구간이니까. BPM을 떨구기 위한 빌드업이다.

심지어 이 싸이트랜스도 처음 도전해보는 장르인데, 참 용감했구나 22년도의 나.

싸이트랜스 구간을 적당히 지나고 나면 싸이스타일로 또 스타일 체인지...라곤 하지만

사실 싸이트랜스 구간에 1드랍 하드킥 추가했을 뿐. 별 것 없다.

그러고 나면 또 들려오는 OMG. 이번엔 620 스플리터 코어.

두배로 쪼개지니까 너무 강한 소리면 난잡해지겠다 싶어서 올드스쿨 개버킥을 차용해보았다.

간단하다. 그냥 909킥에 디스토션. Simple is the best.

이때 세럼으로 만든 스크리치 프리셋은 저장해놨다가 2년이 넘게 지난 지금도 종종 꺼내 쓴다.

간단한 소리인데 막상 찾으려면 잘 안찾아지는 소리라...두고두고 써먹는 씨간장 같은 느낌이랄까.

그러고 나면 드디어 한숨 돌리는 구간. 지금 들으면 피아노가 너무 성의 없지만(웃음)

뭐 그때는 나름 공을 들여서 깎은 거였다. 2년이란 시간은 실력이 바뀌기엔 충분한 시간이니까.

마지막 드랍은 한숨 돌리는 구간에서 제시해 준 새로운 멜로디에 기존 스피드/스플리터 코어 킥을 섞었다.

와~이사람 음악으로 날먹해요~

그리고 대망의 피날레. 오마이갓ㅋㅋ을 남발하면서 BPM의 상한이 10만을 넘어간다.

일부러 계산기까지 두들겨 가면서 어떻게던 10만을 넘기는 전개를 찾아보려 노력했던 것 같다.

이 곡이 A Dance of Fire and Ice 커스텀 맵 음원으로 사용되었는데,

맵 제작자가 메일을 보낸 기억이 난다. 마지막 삐-구간 BPM이 어떻게 되나요? 라는 내용인데

기억이 안나서 프로젝트 뜯어보면서 파형의 반복 정도 비교해가며

여기는 2배...여기는 1.5배...여기는 2배...여기도 2배...하면서 한땀 한땀 셌던 기억이.

그래도 나름 킥 사운드, 리드 사운드, 베이스 레이어링, 신스 사운드 전부 가내수공업으로 만든지라

지금의 스타일과는 괴리가 크지만 나름 애착이 가는 음악이다.

Palami라는 예명을 쓰고 처음으로 사람들에게 내놓은 곡이기도 하고.

곡 제목은 계속 말했듯 OMG 샘플링이 나올 때 마다 BPM이 2배가 되는 컨셉이다 보니 저렇게 지었다.

무슨 바람이 분 지 모르겠지만, 왠지 카메리아식 작명을 해보고 싶었기도 했고...

그러다보니 제목이 대책없이 길어져서 컴필레이션 XFD영상을 보면 나 혼자 폰트가 좁쌀만하다.

어그로 끌리니까 조아쓰~

이래저래 만드는 과정도 즐거웠고 컴필레이션 앨범이 제작되는 과정도 즐거웠다.

처음으로 타인과 함께 작업한 경험이었는데, 나름 괜찮았지 않았나 생각을 한다.

앞으로도 이런 무명 작곡가들끼리 으쌰으쌰 해서 창작활동이 계속되면 좋겠다는 바람이 있다.

요새 개최되는 컴필레이션은 화력이 좀 죽은 거 같은데, 언젠가 다시 부흥하지 않을까?

새로운 주최자는 언제나 환영이야. 매력적인 주제를 들고 오고 여유가 있다면 또 참가해 볼 것 같다.

Music by Palami

- Rule 1: We don't take ANY responsibility about overdosing magical word "OMG"! -

Ozone 11 Advanced

palami — Mon, 7 Oct 2024 23:48:00 +0900

작곡, 특히 미디 음악의 편곡을 같이 한다면 '마스터링' 이라는 과정은 한 번쯤 들어보게 될 것이다.
쉽게 생각하자면 '후처리' 인데, 편곡이 다 된 음원을 상업 음악 시장의 니즈에 맞게 다듬는 과정이다.
이는 현대의 음악 시장에서의 경쟁에서 매우 중요해, 현재는 마스터링을 거치치 않고 릴리즈 되는 음원이 더 찾기 힘들다.
하지만 이처럼 중요한 과정임에도, 작/편곡보다 잘 알려지지 않아 그에 대한 정보가 적은 것도 사실이다.
오늘 리뷰할 Ozone 11 Advanced는 이런 마스터링에 자신이 없거나,
그렇지 않다고 하더라도 마스터링에 충분한 시간을 투자할 수 없는 사람에게 강력히 추천할만한 플러그인이 되겠다.

오존의 모든 기능을 설명하기엔 이미 공식 문서 및 다른 사람들 글에 기능은 잘 나와 있으니,
플러그인 내에서 특장점이라 생각되어 소개하고 싶은 부분만 얘기하려고 한다.

먼저, Ozone 11 Advanced(이하 오존)에는 중복 포함 18개의 모듈이 있다.
중복을 제외하고 각각은 전부 하나의 개별 플러그인과 같으며,

오존은 이를 하나의 플러그인으로 묶어놓은 세트라고 봐도 무방하다.
기본적인 EQ, 컴프레서 등의 모듈을 제외한 3가지 특이한 모듈을 간략하게 소개하자면,

- Clarity: 인풋 된 음원의 톤 밸런스를 화이트 노이즈에 맞춤. 레조넌스 및 마스킹 된 대역을 끌어올리기 좋음.

Clarity의 모습. 화이트 노이즈 레벨에 실시간으로 맞추는 중이다.

- Stabilizer: 인풋 된 음원의 톤 밸런스를 장르에 맞는 톤 밸런스로 조정함.

Stabilizer의 모습. EDM의 톤 밸런스에 실시간으로 맞추는 중이다.

- Spectral Shaper: 인풋 된 음원에서 설정한 만큼의 대역 음량을 자연스레 제어할 수 있음.

Spectral Shaper의 모습. 설정된 대역의 음량을 실시간으로 제어하는 중이다.

이 있겠다.

위 3종의 모듈을 제외한 다른 기본적인 14종의 모듈을 통해 마스터링을 진행할 수 있으나,
이것만으론 초심자가 다루기엔 모듈의 종류가 너무 많아 무엇부터 해야 하는지 어떤 순서로 배치해야 할지 막막할 것이다.
그러나 앞서 얘기했듯, 오존은 마스터링에 자신이 없더라도 사용하기 굉장히 좋은 한가지 기능이 있다.
바로 Master Assistant 기능이다.

Master Assistant의 초기 모습.

이 기능은 AI를 통해 올바른 방향에 가까운 모듈 체인을 구성해준다.
사용법도 매우 간단하다. Master Assistant 기능을 켠 후 음원에서 볼륨이 가장 큰 구간을 재생하고
잠시 기다리면 오존이 알아서 모듈 체인을 구성해준다.
음악에 정답이 없다고는 하지만, 이 기능을 통해 오답에서 크게 벗어날 수 있다는 점이

초심자들에게 매우 큰 도움이 될 것이다.

Master Assistant가 구성한 체인에서 마음에 들지 않는 부분이 있다면,

모듈을 제어하는 창으로 되돌아가 자유로운 수정 또한 가능하다.

내가 직접 해당 기능을 체험해 보았을 땐 체인 내에선 스네어 대역에서

스테레오 이미지가 너무 벌어지고 Clarity 모듈의 방해가 크다는 생각이 들어서 다시 제어해주었고,

체인을 거친 후에는 서브 및 중저역대의 스테레오 이미지가 내가 원하는 것 보다 더 벌어져있어

EQ를 추가해 사이드를 정리, Maximizer 이후 이펙터를 거쳐서 생긴

True Peak를 제어하기 위해 Vintage Limiter 모듈을 추가하였다.

해당 기능으로 큰 틀을 잡아놓고 간단한 수정을 통해 마스터링을 완수할 수 있다는 점은 굉장한 메리트라고 생각한다.

Master Assistant가 생성한 체인을 수정한 모습. 맨 뒤의 모듈 2개를 제외하면 전부 AI가 배치 및 설정해준 모듈들이다.

또한, 오존에는 각 모듈을 따로 별개의 플러그인으로 제공해주어

사운드 디자인이나 믹싱 등에서 오존 전체를 불러오기 부담스러울 때 자원을 절약할 수 있다.

나는 리드에서의 이미지 제어 및 치찰음 제어,

드럼 버스에서 멀티밴드 다이내믹 조절 및 병렬 컴프레싱에 사용했을 때 좋다고 느꼈다.

오존의 개별 플러그인들. 앞서 언급한 17종+오존 본체가 보인다.

특히, EQ는 간단한 설정을 통해 주파수 대역을 제어하며 생기는 위상의 변화도

조정하면서 실시간으로 볼 수 있다는 점이 정말 매력적이었다.

내가 과하게 EQ를 적용해 위상에 문제가 생기진 않을까,
이 정도로 조절해야 한다면 믹스 단계, 혹은 그 이전으로 다시 돌아가야 하지 않을까 하는 걱정을
오존의 EQ를 사용하여 눈으로 확인할 수 있다는 점이 가장 좋았다.

아직은 손에 익은 기존 타사 EQ 플러그인이 손에 먼저 잡히지만,

과하게 적용하는 중은 아닐까 고민이 된다면 주저 없이 오존의 EQ를 꺼낼 것 같다.

내로라하는 EQ 플러그인들에도 위상 모니터링 기능은 아직 못 봤었는데,

오존 내장 EQ에서 제공해준다니. 새삼 대단하다.

위의 실선이 제어한 주파수 음역대, 아래 점선이 제어를 통해 변형된 위상을 보여주는 중. 이는 타사 플러그인에서 보기 힘들다.

마지막으로, 플러그인이 변형시킨 소리만을 들려주는 Delta라는 기능이 특히 초~중급자에게 정말 좋다고 생각이 든다.

예시를 들자면, EQ에서 저음을 컷 했다면 EQ로 인해 잘린 음역대의 소리만을,
컴프레서로 소리를 압축시켰다면 압축되어 줄어든 음량만큼의 소리만을 들을 수 있는 것이다.

이 기능을 통해 초심자는 어떤 모듈이 어떤 기능을 하는지 설명서와 함께한다면 더 쉽고 빠른 이해가 가능할 것 이고,
중급자는 해당 모듈을 조정하면서 내가 어느 만큼 적용할 지 판단이 잘 안 설 때 도움이 될 것이다.

실제로 나도 오존이 Master Assistant로 생성시켜 준 체인을 입맛에 맞게 수정을 할 때

Delta 기능을 토대로 판단을 많이 내렸었다.

십수만 원 하는 개별 플러그인들도 없는 경우가 종종 있는데,

17종의 모듈 전부에 이 기능이 있는 것은 정말이지 혜자스럽다는 생각이 든다.

Impact를 제외한 모듈들의 Delta버튼 모습.

Impact 모듈의 Delta버튼 모습.

총합적인 인상으로는 앞서 말했듯
초심자가 원 버튼으로 마스터링을 완료하기에도,
중급자가 틀이 잡힌 후에 수정해서 마스터링하기도,
상급자가 처음부터 체인을 만들어 나가기에도 좋은 만능 툴이라고 생각이 된다.

또한, 개별 모듈의 기능들도 여타 따로 판매되고 있는 플러그인의 성능들과 견주어서 딱히 밀리지 않는다는 생각이 들었다.
오히려 몇몇 모듈들은 세간에서 가장 좋다고 평가되는 플러그인과 비교했을 때 부분적으로 우위를 점하는 경우도 있었다.

현재 정가 기준 $438.9는 상당히 부담되는 가격은 맞다.
하지만 각 모듈을 비슷한 수준의 타사의 다른 플러그인들로 드래곤볼 모으듯이 사는 것보다는 훨씬 저렴하며,
특히 같은 성능 같은 가격에 구할 수 있더라도 모든 기능을 하나의 플러그인 내에서 관리가 가능한 점과
오존의 가장 강력한 기능이라 생각하는 Master Assistant 기능을 생각한다면
자신이 음악에 투자할 생각이 들 때 1순위로 고려해볼 만 한 플러그인이라 감히 말할 수 있을 것 같다.

특히 세일을 자주하는 플러그인 시장 특성 상, 기다리다가 세일을 노려보는 것도 좋은 방법이라 생각이 든다.

나는 몇 년 전에 Ozone 9 Element를 사용했었다.
Element라는 한계점, 11과 비교되는 9버전에서의 기능들 때문에

그때도 괜찮다고는 생각했지만 결국은 손에서 멀어졌던 기억이 있다.
하지만 지금의 오존, 누구라도 사용한다면 약 440달러의 가치 그 이상을 내줄 수 있다는 생각마저 든다.

그 어떤 것도 수행할 수 있다는 것 만으로는 만능 툴이 될 순 없다.
그 누구라도 수행할 수 있어야 진정한 만능 툴이 아닐까.
그런 의미에서 마스터링 만능 툴, Ozone 11 Advanced의 리뷰를 마치도록 하겠다.

해당 플러그인은 Chester Park님 께서 제공해주셨습니다.

리뷰 기회를 주셔서 감사하다는 말을 드립니다.

blog: 젤리피쉬 모에 (jellyfish.moe)

X(formally twitter): Chester Park (@SoySauceStudio) / X

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- Ozone 11 Advanced -

140자 제한이 답답해

Shine me, Antares!

Pulsar 8200

믹싱? 마스터링? 뭐야 그게.

Transit 2

Weiss MM-1 Mastering Maximizer

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멋있는 음악과 듣고 싶은 음악은 다르다

이 친구는 누구인가

화성학이 뭐길래.

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